Página dedicada a la música electrónica sin exceptuar ninguno de sus géneros. Recomendaciones y explicación de la diferencia de géneros para ir aprendiendo más de éste mundo musical. https://www.facebook.com/AmantesElectronica/
El termino, cuya
utilización data del 4 de abril de 1970, describe los bailes Rave.
Posteriorme se le aplico a las fiestas de Acid House en los 80's y a
las fiestas masivas clandestinas de Breakbeat Hardcore de principio
de los 90's en Inglaterra. En la actualidad se utiliza el termino
para las fiestas masivas de cualquier género de musica electronica,
a veces hasta de otros géneros. Los Raves pueden durar desde 12
horas hasta tres días (un fin de semana) la extensión varía; puede
ser más o menos de lo anteriormente dicho, pero yo considero que si
dura, por ejemplo 6 u 8 horas, ya no debería llamarse Rave.
Turntablism:
Es el arte de hacer
girar las tornamesas, también llamado Djing. Quien hace Turntablism
se hace de scratching y beat juggling. El scratching es cuando se
mueve el disco hacia adelante y hacia atras para que suene como
rayado y se utiliza mucho en el Hip Hop. El Beat Juggling es utilizar
dos discos iguales y jugar con los tiempos, ritmos, pausas, saltos en
la canción e incluso scratching.
BPM:
Beats per minute o
pulsaciones por minuto es una unidad empleada para medir el tempo de
la música, equivale al número de pulsaciones que entran en un
minuto. Mientras más grande el número, más rápida es la canción
y mientras más bajo el número, más lenta.
La música electrónica normalmente genera compases de 4/4, cuando esta regla se rompe, entonces podemos decir que la música pertenece al Breakbeat.
El sonido del Breakbeat es sincopado y polirítmico.
Apareció a finales de los 70’s y principios de los 80’s cuando el Hip Hop comenzó a adquirir su forma definitiva gracias al uso que los DJ's hacían de breaks. El break es el tramo de una canción de funk o jazz donde la música "rompe" ("break" en inglés) para dejar que la sección rítmica toque sin acompañamiento. El DJ utilizaba el break como base rítmica para las canciones de hip hop, permitiendo que los MC’s rapearan sobre ella.
El Amen Break, un redoble de batería o break tomado de la canción "Amen, Brother" del grupo de soul The Winstons está ampliamente considerado como el break más utilizado de la historia. Este break fue utilizado por primera vez por el grupo Mantronix en su tema "King of the Beats", y desde entonces ha sido usado en miles de canciones. Otros breaks populares son el “Funky Drummer” de James Brown, y el "Think (About It) de Lyn Collins.
Amen, Brother - The Winstons
King Of The Beats - Mantronix
Funky Drummer - James Brown
Lyn Collins - Think (About It)
Breakbeat Samples:
Con la llegada del sampling digital y la edición musical por ordenador, la creación de breakbeats se ha vuelto mucho más sencilla. Ahora, en vez de cortar y manipular secciones de una grabación, o de rebobinar constantemente dos discos al mismo tiempo, existen programas de ordenador utilizados para cortar, pegar y crear loops con breaks infinitamente. Además, se pueden añadir efectos digitales a los ritmos, como filtros, reverbs, reverse, time stretching y pitch shifting.
Problemas Legales:
Con el tiempo han aparecido paquetes de “Breakbeats” esto debido a que los breaks que luego se utilizan son tomados de manera ilegal, por ejemplo, la canción antes mencionada “Amen, Brother” ha sido utilizada miles de veces y The Winstons no han recibido royalties por ello.
Subgéneros:
Breakbeat Hardcore: También conocido como Oldskool Rave, es un género estrechamente relacionado con la escena Rave inglesa. Es un derivado del Acid House y el Techno que combina ritmos Four-to-the-floor característico del House con Breakbeats. Se compone de Stabs que son acordes muestreados de otras canciones reproducidas repetitivamente, ritmos de Breakbeat mezclados con patrones de cajas de ritmo, pianos alegres, muestreos de voces de Soul y Funk de los 70's y bajos Hoover Old-School. De este género se generaron otros dos de los cuales hablaremos en otra entrada: El Jungle y el Happy Hardcore.
Baltimore Club:
También llamado Bmore Club o Club Music, es un género de House
fusionando elementos del Hip Hop. Fue creado en Baltimore, Maryland
hacia finales de los años 80's por pioneros como Luther Campbell,
Frank Ski, Big Tony (o Miss Tony) y Scottie B.
El Baltimore Club se
basa en estructuras de 8/4 tiempos y suele sonar a un tempo en torno
a los 130 bpm (Beats Per Minute). Combina trozos vocales sampleados
de modo repetitivos. Los temas instrumentales incluyen potentes
Breakbeats y la música suena como si hubiera sido intensionalmente
acelerada, como si cada canción hubiera sido compuesta con una
paleta de sonidos limitada y basada en un patrón similar.
Jersey Club:
Creado en el norte de New Jersey y partes de Philadelphia. Apareció
a partir del Baltimore Club pero un poco más rápido (de 135 a 140
bpm). Está lleno de saltos, triple bombos pesados y varios
switch-ups. Se utiliza muchos cortes vocales, en general obtenidos
del Hip Hop, R&B y éxitos del House.
Broken Beat:
Caracterizado por un ritmo sincopado dentro de un compás de 4/4 con
golpes de caja (snare) y/o palmas (clap) puntuados. Apareció en los
90's con influencias del Drum and Bass, Acid Jazz, Hip Hop y a veces
del Jazz fusión de los 70's. Como resultado de estas raíces se
considera que es más sofisticado que otros géneros.
Florida Breaks:
También conocido como Florida Brakbeat. Como su nombre lo
indica, se popularizó en la zona sureste de Estados Unidos entre
mediados y finales de los 90´s. Su sonido era Funky con Samples de
reconocibles del pop ochentero, del Funk y el Hip Hop.
Breakbeat Nu
Skool: También conocido como Nu Skool Break o por su abreviación
NBS. Originado en 1995 con el Remix de Rennie Pilgrem a la canción
“A place Called Acid” de Thursday Club. Suele llamarse Break
Oscuro por que se caracteriza por sus continuos bajos, filtros,
flangers y phasers.
Big Beat: En
el mundo de la música electrónica, es un género autónomo basado
en el Breakbeat al componerse de una secuencia de breaks de una base
rítmica, golpes de bateria en un compás 4/4 que termina con un
“Gran golpe” (Big Beat) final, mucho más contundente que el
resto de la secuencia, sobre la que se añaden otros sonidos o ritmos
característicos de le escena cultural en la que se geste la obra
musical.
Comenzó
denominándose de distintas formas: Brit-hop, Amylhouse o Chemical
Beats, este último gracias a sus pioneros The Chemical Brothers.
Otros pioneros fueron The Crysal Method, Propellerheads y Bently
Rythm Ace. Otros creadores de Big Beats conocidos son Fatboy Slim y
The Prodigy.
El Big Beat posee
influencias de muchos géneros como lo son el rock, funk, Hip Hop,
House y punk pero sobretodo tiene una fuerte influencia psicodélica.
Intenta mantener la escencia de la canción y sólo cambia un poco el ritmo, por ejemplo, en una canción de House, el ritmo puede cambiar a algo más tranquilo y volverse Deep House. O una canción Trance volverse en Chill Out. Pero a fin y a cabo no cambia la estructura de la canción.
Minimix:
Los Minimix son sesiones pequeñas donde el DJ intenta meter varias canciones en pocos minutos, por ejemplo 5 canciones en 20 minutos pero teniendo en cuenta que las canciones estén en el mismo beat y orden para que no desentonen.
Megamix:
Lo mismo que el Minimix pero de mayor duración, por ejemplo de 50 minutos.
Remake:
Sería lo que en el rock los Cover: la misma canción interpretada por otro DJ dejando la escencia de la canción igual pero con el sonido particular del DJ en cuestión.
A fin de cuentas la música es un negocio y es por ello que últimamente es muy frecuente que los DJ's productores le pidan a otros DJ's que es hagan Remixes de sus canciones para que salgan al mismo tiempo que la versión original. El DJ creador de la canción escoge a los DJ's que le van a hacer el Remix por su sonido particular.
Bootleg:
Como decía, la música a fin de cuentas es un negocio y es por ello que cuando un DJ quiere realizar un Remix de una canción, debe pedirle permiso al DJ creador de ese Track, cuando esto no se lleva a cabo, el DJ hace saber que su Remix no es oficial llamándolo Bootleg en vez de Remix.
Re-work:
Normalmente hecho por el mismo DJ que creo la canción. Se da cuando el DJ quiere volver a interpretar su canción haciéndole algunos cambios y actualizandolas
Reconstruction:
Este es un caso dificil de explicar pues puede sonar la explicación muy semejante al Remix; Como su nombre lo dice, es volver a construir la canción sólo que con otros sonidos para así cambiarlo incluso de género pero manteniendo las notas tal como van, podría ser también como un Re-work pero hecho por otro DJ en vez del mismo.
Es un género que pone énfasis en el tono y la atmósfera por sobre la estructura musical o ritmos tradicionales. Se trata más sobre la atmósfera que generan.
Se originó en los 70's en Reino Unido cuando se empezó a popularizar dispositivos qeneradores de música como eran los sintetizadores.
Los pioneros de la música Ambient son Mike Oldfield, Jean-Michel Jarre y Vangelis.
Robert Fripp y Brian Eno popularizaron la música Ambiental en 1972
mientras experimentaban con loops de cinta
magnética. The
Orb y Aphex
Twin lograron éxito comercial con canciones Ambient a
comienzos de los años 1990.
Las canciones de Ambient por lo
regular son muy largas como mínimo unos 10 minutos. Normalmente
alcanzan la hora, claro, la canción va evolucionando, pero es de una
manera lenta y gradual. Hay veces que un oído no acostumbrado puede
pensar que la música es estática, que no cambia en absoluto.
Teniendo en cuenta esto, a veces el Ambient no es un género fácil.
El músico Erik Satie fue quien creo
una forma inicial de la música Ambient la cual llamó Musique
d'ameublement es decir, música de mobiliario en referencia a algo
que puede ser tocado durante la cena y cuyo sonido simplemente
crearía una atmósfera para la actividad, más que ser el punto de
atención.
R.
Murray Schafer, un músico ambientalista creo el género musical
de Soundscape o Paisaje sonoro que viene de las palabras Soun, sonido
y Landscape, paisaje. Este género reproducir sonidos de la
naturaleza para generar una imagen de un ambiente natural.
Pero fue Pierre
Schaeffer fue quien empezó a combinar sonidos de la naturaleza
con sonidos extraídos del tocadiscos y cortando cintas, haciendo el
primer uso de la música
experimental y de cintas magnéticas.
Pero quien nombró al género
“Ambient” fue Brian Eno quien es uno de los mayores generadores
de música Ambient conocido por musicalizar películas de David
Lynch.
Subgéneros del
Ambient:
Ambient Dub: acuñado por el
extinto sello Beyond
Records, el estilo se caracteriza por fusionar elementos de
ambient con otros propios del dub jamaicano.
Ambient Orgánico:
Se trata de música ambient que
combina instrumentos
electrónicos combinados con otros acústicos y eléctricos.
Dark Ambient: Como su nombre
lo dice, es música que genera atmosferas oscuras, opresivas y
angustiantes.
Illbient: se caracteriza por
la utilización de paisajes sonoros basados en el dub,
la utilización al estilo hip
hop del sampling y
un acercamiento comprensivo a la programación de ritmos que abarca
diferentes estilos de world music y de música electrónica.
Ambient House: es un tipo de
música que se puede encontrar hacia finales de los años 80. Se
trata de un tipo de acid
house que incorporaba elementos y atmósferas típicos del
ambient. El género no deja de lado el ritmo four-on-the-floor
o compás 4 por 4 y los sonidos de sintetizador, pero a la vez
tiene un sonido atmosférico y envolvente.
Ambient Techno: Apareció
como consecuencia del Ambient House. Fusiona la parte bailable del
Techno con lo relajado del Ambient.
Ambient Industrial: Hibrido
entre música Ambient e Industrial.
Space Music: Se trata de
música que intenta generar atmosferas espaciales.
Música Aislacionista: El
ambient aislacionista puede diferenciarse de otros tipos de ambient
en su uso de la repetición, la disonancia, la microtonalidad y la
armonías no resueltas para crear una sensación de desconcierto,
falta de sentido y desolación.4 El
término fue popularizado por la revista The
Wire a mediados de los años 90 y por el
recopilatorio Ambient 4: Isolationism
Intelligent Dance Music o IDM:
Surgió a principios de los 90’s en Gran Bretaña. Este
género toma elementos de diferentes estilos musicales, especialmente
del techno y
del ambient
house. Estilísticamente, la IDM se caracteriza más por la
experimentación individual que por estar dotada de un conjunto de
características musicales fijas. De ahí que pueda abarcar música y
músicos muy dispares.
Drone Ambient o Dronescape: es un
estilo de música
minimalista que se caracteriza por el uso de sonidos, notas
o clústers
sostenidos o repetidos en el tiempo.Suele ser habitual en este género las
composiciones largas prácticamente desprovistas de variaciones
armónicas durante toda la pieza.
Psybient: Más apegado a la música
Psytrance, digamos que es un Psytrance más relajado y por lo mismo
también se le conoce como Ambient Psy o Ambient Goa.
Teniendo que el 8 de Marzo fue el día internacional de la mujer ¿Porqué no hablar de las DJeanes?
Aquí dos de ellas ya legendarias: Ellen de la vieja escuela y Maya de la nueva escuela.
Ellen Allien:
Nacida en 1969 y residente en
Berlín, Ellen Fraatz es una Djane productora alemana de Techno mejor
conocido por su seudónimo Ellen Allien.
Ellen empezó su carrera de DJane en
1992 cuando se vuelve residente en Bunker, Tressor y E-Werk. Al mismo
tiempo comienza su show de radio llamado Kiss FM y crea su propia
disquera llamada “Braincandy”. Debido a discrepancias con las
ventas de los discos, Ellen renuncia al nombre en 1997 y empieza a
organizar fiestas con el nombre de “B Pitch”.
Fue hasta 1999 que funda la disquera
“B Pitch” que se ha vuelto muy popular en la escena Techno.
En 2001 lanza su primer disco
llamado “Stadkind”
Su segundo disco “Berlinette” lo
lanza con colaboraciones de Apparat y en 2006 se vuelve a juntar con
Apparat para formar una dupla y lanzar el álbum “Orchestra of
Bubbles”
Álbumes:
2001 - Stadtkind
2003 - Berlinette
2004 - Remix Collection
2005 - Thrills
2006 - Orchestra of Bubbles
2008 - Sool
2010 - Dust
2013 - LISm
Página oficial de Youtube:
https://www.youtube.com/user/BPitchControlTV
Maya Jane Coles:
De ascendencia británica y nipona,
Maya Jane Coles es una DJane productora de Dubstep y Deep House.
También usa el seudónimo “Nocturnal Sunshine”.
Maya sintió pasión por la música
desde temprana edad y a los 15 años comenzó a hacer música con el
programa de composición musical “Cubase”. Sus primeras
composiciones fueron de Hip-Hop y Trip-Hop. Ya para el 2008 y 2009
lanzó sus primeros dos sencillos en Dogmatik Records donde su
influencia fue más hacia el House. Desde entonces fue reconocida en
todos lados por su joven talento.
El 9 de marzo se celebra el día
mundial del DJ, es por ello que esta entrada está dedicada a la historia del DJ, nuevamente, resumido por mí, lo que leerán es sólo la base para que se metan más en el tema si lo desean:
El día mundial del DJ se celebra
desde el 2002 por la fundación “World DJ Fund” y la ONG “Nordoff
Robbins Music Therapy”.
Ray Newby es considerado el primer
DJ de Radio del mundo quien con sólo 16 años, en 1909 reproducía
discos gracias a la autorización del pionero de la radio Charles
“Doc” Herrold.
Ray Newby
Charles "Doc" Herrold
Pero el término “Disc Jockey”
se lo debemos al comentarista estadounidense Walter Winchell quien
en 1935 definió así al locutor Martin Block quien en una
ocasión reproducía discos creando una atmósfera de club de baile en
vivo mientras el público seguía en vivo el secuestro de Lindbergh,
uno de los crímenes más publicitados del siglo XX, convirtiendo así
el programa en todo un éxito.
Walter Einchell
Martin Block
El caso del secuestro de Charles Lindbergh Jr.
En 1943 tuvo lugar la primera fiesta
de baile con DJ en Oxley, Inglaterra y en 1947 se abre la primera
discoteca en París con DJ llamada “Whiskey à Go-Go”.
En la actualidad personas como
Deadma5 dicen que los actuales DJ’s ya no deberían ser llamados
Disc Jockeys ya que ya no usan Discos y piensan que el termino ya
está caduco o por lo menos erróneo.
La música electrónica, contrario a lo que se crería, tiene más de un siglo de historia, claro antes no era como antes, de hecho era sólo para algunas personas pues los instrumentos con los que se realizaba antes los sonidos electrónicos eran del tamaño de una habitación completa, difíciles de utilizar y seguramente muy costosas.
Fue hasta los años 60's que la disponibilidad de tecnología musical a precios accesibles permitió que la música producida por medios electrónicos se hicieron cada vez más popular. Su popularización llegó en los 80's y, en los 90's, ya era algo común.
Introducción:
Hablemos de los dispositivos con los que se hizo música antes de que todo fuera por computadoras y sintetizadores:
En 1878 Thomas Alba Edison patenó el fonógrafo, esto es importante porque es en el fonógrafo donde se gravaba la música anteriormente.
En 1887 Emile Berliner desarrolló el fonógrafo de disco el cual reproduce acetatos.
En 1906 Lee De Forest inventó la Válvula Audión que servía para la generación y amplificación de señales electricas, la emisión de radio y la computación electrónica entre otra variedad de aplicaciones.
Entre 1898 y 1912 Thauddeus Cahill desarrolló un instrumento llamado Telharmonium pero su enorme tamaño no ayudó a su distribución y popularización.
Otro primitivo instrumento fue el Ondes Martenot, se hizo conocido al ser utilizado en la sinfonía Turangalila de Oliver Messian. Éste instrumento fue utilizado sobretodo por franceses como André Jolivet.
En 1907 Ferruccio Busoni ayudó a popularizar éste género musical gracias a que escribió "Esbozo de una Nueva Estética de la música" donde habló de la Válvula Audión y el Telharmonium y de como usar estos instrumentos. En esta obra Busoni dijo "Sólo mediante una larga y cuidadosa serie de experimentos, y un continuo entrenamiento del oído, puede hacerse éste material desconocido, accesible y plástico para las generaciones venideras y para el arte".
Futurismo:
En Italia a principios del siglo XX adoptaron la tendencia de llamada Futurismo y ésta corriente artística se acercó a la música electrónica pues tenía como filosofía apreciar el "ruido", así como dotar de valor artístico y expresivo a ciertos sonidos que anteriormente no habían sido considerados ni siquiera remotamente musicales; A principios del siglo XX la llamada música electronica era en realidad sonidos grabados y reproducidos coreográficamente, sonidos como motores, cornetas, alarmas, el sonido que produce la estática y otros más del estilo. Ésto con la filosofía de reflexionar sobre el dominio de las máquinas y el victorioso reinado de la electricidad.
El 11 de marzo de 1913 el futurista Luigi Russolo publicó "El arte de los ruidos" y en 1 que él mismo describió como "Instrumento acústico ruidista cuyos sonidos (aullidos, bramidos, arrastramientos, gorgoteos, etc.) eran manuamente activados y proyectados mediante vientos y megáfonos".Posteriormente se organizaron más conciertos similares en París.
1920 - 1930
Entre 1919 y 1920 Léon Theremin inventó el Theremin. En 1929 Joseph Schillinger compuso su "Primera Suite Aerofónica para Theremin y Orquesta" interpretada por primera vez por la orquesta de Cleveland y Léon Theremin como solista.
En 1928 Maurice Martenot inventó el Ondes Martenot en Paris y el año siguiente, Antheil compuso por primera vez para dispositivos mecánicos, aparatos productores de ruido, motores y amplificadores en su ópera inacabada "Mr. Bloom".
La grabación de sonido dio un salto en 1927 cuando el inventor estadounidense J. A. O'Neil desarrolló un dispositivo para la grabación que utilizaba un tipo de cinta cubierta magnéticamente. A pesar de ser el standar en los 80's, en esa época fue un desastre comercial.
A finales de la década, empezaron los experimentos sonoros por parte de Tristan Tzara, Kurt Schwitters y Filippo Tommaso Marinetti entre otros.
1930 - 1960
En 1935 apareció el magnetófono en Alemania pero este invento no salió de este país hasta finales de la segunda guerra mundial. Las posibilidades de creacion musical se ampliaron con este aparato pues ya que se grababa en cintas magnéticas, se podía reproducir, rebobinar, acelerar, realentizar y hasta escucharse al revés. Además las cintas eran relativamente baratas y tienen una fidelidad mayor a cualquier otro medio de audio conocido en la actualidad.
Poniéndose ingeniosos, podían con estas cintas editar partes de manera física, combinarlas con otras al ir uniendo varias cintas. Al unir las cintas podían crear "Loops" y crear una canción infinita como la de los videojuegos. Otro efecto que sólo se podía crear de manera física y no por medios mecánicos eran los ecos y reverberaciones.
Fue en la década de los 50's que la música dejó de ser ruidos y empezó a ser más sonidos armoniosos, por ejemplo, en 1954 Karlheins Stockhausen compuso "Elektronische Studie II", la primera pieza electrónica en ser publicada como banda sonora.
En 1957 apareció el sintetizador RCA Mark II Sound Synthesizer instalado en Colombia - Princeton Electronic Music Center, donde sigue actualmente. Este aparato era más simple en cuanto a uso que el Theremin y el Ondes Martenot.
Música Estocástica formulada por ordenadores diseñados únicamente para componer música mediante sistemas matemáticos. El responsable de ésto fue Iannis Xenakis y un ejemplo de esta música fue su composición orquestal "Metastasis"(de 1953-1954).
Como puente para la década de los 60's, como debemos saber, en los 50's fue el auge de la radio. Karlheinz Stockhausen trabajó mucho tiempo en estaciones de radio alemanas donde reprodujo en ésta época música electrónica. Junto con Maurice Kagel fueron emblemas del Avant Garde en su estudio de música electrónica en Colonia cuando empezaron a combinar los sonidos generados electrónicamente con instrumentos tradicionales, ejemplo de ello son "Mixtur" de 1964 e "Hymnen, dritte Region mit Orchester" de 1967.
1960 - 1970
Stockhausen afirmaba que sus oyentes le decían que su música electrónica les daba una experiencia de estar en el espacio exterior, de volar o de estar en mundos fanáticos de ensueño, sigificativo para esta década de los 60's y 70's que apareció propuestas de ciencia ficción como"Dr. Who" que como tema central tuvo una canción compuesta por Ron Grainer, según algunos, la pieza de música electrónica más conocida en el mundo.
En 1961 se creo el "Centrefor Electronic Music in Israel" en la universidad hebrea.
Milton Babbitt compuso en ese mismo año "Composition for Synthesizer", su primer trabajo utilizando el sintetizador RCA en el "Colombia - Princeton Studio". La intensa actividad en éste y otros lugares inspiró la creación en San Francisco del Tape Music Center en 1963 por Morton Subotncick mientras que en 1964 en Checoslovaquia se tuvo lugar el primer seminario de música electrónica organizado en el Radio Broadcast Station de Plzen.
En este mismo año (1964), Robert Moog introdujo el sintetizador "Moog", el primer sintetizador analógico controlado por sistema integrado modular de control de voltaje. Moog Music introdujo posteriormente un sintetizador más pequeño con un teclado llamado "Mini Moog" que al ser utilizado por compositores y universidades se volvió muy popular.
Un ejemplo clásico del uso del Moog de gran tamaño es el album de Wendy Carlos "Switched-on Bach"
A finales de los 50's y durante los 60's y 70's aparecieron los "Compuer Music" o Música por Ordenador que eran tonadas semejantes a la de los videojuegos de Nintendo y antecesores. Se suponía que podían transformar partituras de canciones para muchas personas en un solista, algo así como en su momento los celulares reproducían la versión "polifónica" de sus canciones favoritas.
El primer ordenador creado únicamente para crear música fue la CSIRAC que tocó públicamente por primera vez en Agosto de 1951.
Otro ordenador fue el CYCLONE, programado en 1961. También por estas fechas empezaron a tocar "Música Electrónica en vivo". Los festivales ONCE mostraron entre 1958 y 1969 música multimedia para teatro.
En 1960 John Cage compuso Cartidge Music una de las primeras obras de música electrónica en vivo.
Y ya para pasar a la década de los 70's, el KORG que apareció en 1967 era un órgano programable que tuvo tanto éxito que en 1973 fue presentado el Mini KORG, el primer sintetizador de todo una serie de gran éxito en los 70's y 80's.
1970 - 1980
En la época de los 70's empezó el hit de las bandas de Rock que utilizaban sintetizadores ampliando la polarización de la música electrónica, grupos como The Cars, Pink Floyd y Depeche Mode. Apareció entonces el Synth Pop.
Se dice que la primer canción de Pop en utilizar sintetizadores fue la canción de "Cars" de Gary Numan.
Pero también en 1970 Charles Wuorinen compuso "Times Ecomium" convirtiendose en el primer ganador al premio Pulitzer por una composición completamente electrónica.
Ya en los 80's es cuando aparecieron los MIDIs, los Samples y los programas de cómputo para crear música electrónica. Aparece la música Disco, el House de Chicago y el Techno de Detroit pero de todo eso hablaremos en el futuro.
Lo que anteriormente leyeron (o escucharon) es un resumen hecho por mí, claro que hay más que aprender pero eso ya es tarea tuya si el tema te interesa.
En futuras entradas/programas estaremos analizando los distintos géneros y subgéneros de la música electrónica por lo que de esa manera aprenderemos más de historia y, claro, de música.
Reflexión Final:
Espero les haya agradado este viaje en el tiempo y la música y no les halla aburrido, pero creo que es importante conocer el origen de nuestro género favorito de música. Quizas con el tiempo se nos olviden nombres y fechas pero recordaremos algunos datos que nos servirán para sacar en pláticas como "¿Sabían que la música electrónica existe desde hace un siglo?" o "¿Sabían que antes lo que se conocía como música electrónica eran sonidos grabados y empalmados unos con otros?". Que la gente sepa que no sólo te gusta escuchar la música sino que te apasiona, que es algo en lo que profundizas... espero no escucharme muy cursi pero si leyeron (o escucharon) esto de principio a fin en una sola sentada, felicidades, tu si eres un verdadero Amante de la Música Electronica.
